La peinture française au xixe siècle est l'ensemble de la production picturale par les artistes français entre 1801 et 1901. Elle est représentée par des changements esthétiques et l'apparition de plusieurs courants dont se distinguent principalement la peinture romantique vers les premières décennies du siècle, et l'impressionnisme après la seconde moitié. En France la peinture connait des mutations tant sur le plan artistique qu'institutionnel avec la confrontation entre un art officiel défendu par le pouvoir, et l'émergence d'un art moderne qui se développe par l'intermédiaire des premiers marchands d'art et des mécènes privés.

L’art abstrait

Dans les arts plastiques, l'art abstrait est un « langage visuel » né au xxe siècle. Il n'essaie pas de représenter « les apparences visibles du monde extérieur », mais tente de donner une contraction du réel ou encore d'en souligner les « déchirures »

L’art abstrait est né du travail de trois peintres qui, sans se connaître, ont crée presque aux mêmes dates des œuvres abstraites, montrant des formes qui ne représentent pas la réalité.

On peut distinguer quatre périodes dans l’histoire de l’art abstrait

Dans les années 1910-1920, l’abstraction nait de la « décomposition » de l’art : l’abstraction lyrique de Kandinsky, le néoplasticisme de Mondrian, le suprématisme de Malevitch, l’orphisme de Delaunay.

Entre 1920 et 1930, de nouvelles formes d’abstraction parcourent l’Europe (le futurisme, le rayonnisme).

Après la Seconde Guerre mondiale (1939-1945), l’art abstrait devient un phénomène mondial à partir duquel émergent de nouveaux mouvements : l’art optique, le tachisme, l’action painting, l’art calligraphique, l’art informel.

L'art abstrait utilise un langage formel, pictural et linéaire pour créer une composition indépendante du rapport aux références visuelles existantes dans le monde sensible.

L’abstraction géométrique

Comme l’architecture, elle repose sur une organisation de l’espace, soit par des lois de construction édictée par les artiste, soit par de simple recherche de pureté qui peut aller jusqu’au dépouillement complet, comme l’a fait Malvitch en 1910 en peignant un carré noir sur fond blanc.

Carré noir sur fond blanc, Malvitch, 1910

Ce sont des approches formelle, des expériences qu’il a bien fallu faire pour aller jusqu’au bout de la démarche de coloriage d’un rectangle de toile, de telles œuvres peuvent être belles car pures, équilibrées et, par cette beauté dépouillée, susciter le calme, l’aboutissement, l’accord avec soi, ou au contraire la nullité et le vide.

L’abstraction lyrique

A l’opposé de la précédente, l’abstraction lyrique ne repose sur aucune loi et est destinée à susciter des sentiments, générer des idées. L’état d’âme de l’artiste, son caractère, le parcours de sa vie, les événements sociaux et politiques qui l’entourent sont les moteurs de son expression artistique : ses œuvres sont donc signifiantes.

Le Baroque

Né en Italie en 1550, et qui ensuite s’est élargi jusqu’en 1750 dans les pays catholiques. Des ornements abondant caractérisant l’art baroque.

Le Concile de Trente (1545-1563), au cours duquel l’Église catholique romaine doit répondre à des questions de réforme interne, soulevées tant par les protestants que par ses propres membres, encourage la création artistique, comme support de dévotion mais également comme outil d'enseignement1. Les œuvres doivent illustrer la doctrine sans la trahir. Et l'utilité des représentations imagées pour une masse peu instruite est reconnue.

L’art baroque est caractérisé par grand drame, riches, couleur profonde, et ombres de lumière et foncées intenses. Il est réputé pour évoquer l’émotion et la passion et non la rationalité et le calme qui se dégage de la peinture de la Renaissance.

Le mouvement baroque finira au XVIIIème, dégénérant vers de Rococo, le Kitsch Bavarois de Louis II, la préciosité. La découverte de Pompéi incite à comprendre l’homme dans son accord avec la nature. Le siège des Lumières, adepte de la raison, critiquera vivement les guerres de religions et ses excès.

Le cubisme

Le cubisme est un mouvement artistique français qui s'est développé principalement de 1907 à 1914 à l'initiative des peintres Georges Braque, Pablo Picasso, Jean Metzinger, Albert Gleizes, Robert Delaunay, Henri Le Fauconnier et Fernand Léger.

L'Histoire du cubisme est divisée en quatre grandes périodes

Le Précubisme, ou phase cézanienne (1907-1910)

La démarche du précubisme s'attache à la représentation en volume de l'objet, à la manière de Cézanne ou des masques africains ; la perspective traditionnelle est souvent malmenée. La phase cézanienne concerne essentiellement Pablo Picasso (Réservoir à Horta 1909), et Georges Braque. Jean Metzinger, Albert Gleizes, Fernand Léger, Robert Delaunay, Henri Le Fauconnier, avec plusieurs artistes membres du Groupe de Puteaux (également connu sous l’appellation Section d’Or)) mènent alors des recherches parallèles.

Réservoir à Horta, Pablo Picasso, 1909

Le Cubisme analytique (1910-1912)

Lors de cette deuxième phase, l'objet est déconstruit et toutes ses facettes sont représentées en fragments, sans aucun égard pour la perspective. Cette période de recherche se caractérise par un chromatisme très peu saturé (gris, brun, vert, bleu terne). En revanche, la lumière occupe une place très importante et elle se répartit de manière différente sur chaque fragment. Le cubisme analytique concerne essentiellement Pablo Picasso, (Le joueur de guitare 1910) et Braque, qui coopèrent et rivalisent d'inventivité pour toujours pousser plus loin la démarche. Leurs toiles tendent à la stylisation abstraite.

Le joueur de guitare, Pablo Picasso, 1910

Le Cubisme synthétique (1912-1914)

Cette période est caractérisée par le retour de la couleur et par l'utilisation de la technique du collage (papiers, objets). Le peintre sélectionne les facettes les plus pertinentes de l'objet déconstruit (contrairement à la deuxième phase, où il n'y a pas de sélection). Des éléments de la réalité sont réintroduits, notamment par le collage de papiers ou donnant des indications de matière à l'objet représenté (faux bois ou toile cirée). Cf. Pablo Picasso, Guitare et bouteille de Bass, 1913. Braque et surtout Juan Gris donneront à ce style une rigueur et une sérénité classique.

Pablo Picasso, Guitare et bouteille de Bass, 1913

Le Cubisme orphique (1914-1921)

Le nom est donné par Guillaume Apollinaire à propos des deux principaux représentants de cette forme de cubisme : Robert Delaunay et sa femme Sonia Delaunay. La couleur se détache de toute forme et permet la création, dans leurs œuvres, de cercles concentriques colorés, donnant rythme et vitesse au tableau.

L'Expressionnisme

L'expressionnisme est un mouvement artistique apparu au début du XXe siècle, en Europe du Nord, particulièrement en Allemagne.

L'expressionnisme est la projection d'une subjectivité qui tend à déformer la réalité pour inspirer au spectateur une réaction émotionnelle. Les représentations sont souvent fondées sur des visions angoissantes, déformant et stylisant la réalité pour atteindre la plus grande intensité expressive.

Les premiers éléments annonciateurs de l'expressionnisme apparaissent à la fin du XIXe siècle, en particulier dans la toile d'Edvard Munch, Le Cri ainsi que dans l'évolution des travaux de Van Gogh. Le critique d’art Wilhelm Worringer, en 1908, est le premier à parler d’ expressionnisme.

La Vue de Tolède sous l’orage du Greco, Domínikos Theotokópoulos

Edvard Munch, Le Cri

Le Fauvisme

Gustave Moreau a été l'inspiration du mouvement. Moreau était un enseignant controversé à l'École des Beaux-arts de Paris et un peintre symboliste, Gustave Moreau a enseigné à Matisse, Marquet, Manguin, Rouault et Camoin dans les années 1890, et était considéré par les critiques comme le leader philosophique du groupe jusqu'à ce que le peintre Matisse ait été reconnu comme tel en 1904.

Le fauvisme est caractérisé par l'audace et la nouveauté de ses recherches chromatiques. Les peintres avaient recours à de larges aplats de couleurs violentes, pures et vives, et revendiquaient un art fondé sur l'instinct. Ils séparaient la couleur de sa référence à l'objet afin d'accentuer l'expression et réagissaient de manière provocatrice contre les sensations visuelles et la douceur de l'impressionnisme.

Henri Matisse, la Danse, 1909-1910

L’art figuratif 

L'art figuratif est un style artistique, en particulier dans la peinture, qui utilise comme modèles des objets du réel, les déforme ou les change pour transmettre un message. Le terme « art figuratif » est souvent pris au sens d'art qui représente le corps humain ou animal.

Si cela est souvent vrai, ce n'est pas nécessairement toujours le cas. En effet, la peinture figurative représente non seulement des personnes mais aussi des objets tels qu'un vase ou une bouteille, un animal, une fleur, un paysage, et renvoie à un spectacle identifiable du réel ou d'un monde irréel né de la seule imagination de l'artiste.

L’impressionnisme

L'impressionnisme est un mouvement pictural français né de l'association de quelques artistes de la seconde moitié du XIXe siècle (1860).

L'impressionnisme est notamment caractérisé par une tendance à noter les impressions fugitives, la mobilité des phénomènes climatiques, plutôt que l'aspect stable et conceptuel des choses, et à les reporter directement sur la toile.

Les peintres impressionnistes, qui se veulent avant tout peintres du concret et du vivant choisissent leurs sujets dans les paysages ou les scènes quotidiennes de la vie contemporaine librement interprétées et recréées selon la vision et la sensibilité personnelle de chacun d'eux.

C’est au titre d’un tableau de Claude Monet, Impression soleil levant, 1872, que l’impressionnisme doit son nom.

Claude Monet, Impression soleil levant, 1872

Le minimalisme

Le minimalisme (ou art minimal) est un courant de l'art contemporain, né dans un groupe de plasticiens au début des années 1960 aux États-Unis, basé sur le principe de l'économie maximale des moyens. Il s'est développé dans d'autres arts comme la musique, la danse, la cuisine, mais surtout dans le design (Donald Judd) et l'architecture (Mies Van Der Rohe).

En réaction aux tableaux extrêmement colorés et aux objets quotidiens élevés au rang d'œuvres d'art par les artistes du Pop art, les œuvres minimalistes se composent généralement de deux ou trois couleurs et de formes basiques : ronds, carrés, lignes droites, etc. La simplicité est primordiale et il n'existe aucune représentation subjective derrière le minimalisme ; il est dénué de toute symbolique et ne cherche à jouer que sur les formes et les couleurs en évitant l'émotion au sens littéral du terme : un art dénué de sentiments.

Carl Andre, 144 Tin Square, 1975

La simplicité radicale des œuvres de Carl André introduit une véritable révolution au sein de la pratique sculpturale. Loin de tout savoir-faire traditionnel, il agence des formes métalliques, identiques et interchangeable, pour former une composition élémentaire qui repose sur la symétrie et libère une multiplicité de points de vue.

Donald JUDD, Stack, 1972

Le pop art

Le pop art est un mouvement artistique qui trouve son origine en Grande-Bretagne au milieu des années 1950, sous l'impulsion de Richard Hamilton et Eduardo Paolozzi.

Au tout début des années 1960, le pop art américain émerge avec Andy Warhol, Roy Lichtenstein, Robert Rauschenberg ou encore Jasper Johns. C'est surtout cette branche américaine qui va populariser ce courant artistique devenu majeur, qui questionne la consommation de masse de façon agressive. Il s'agit principalement de présenter l'art comme un simple produit à consommer : éphémère, jetable, bon marché...

Le Pop art, comme la musique pop, vise à utiliser des images populaires par opposition à la culture élitiste dans l'art.

Richard Hamilton, Just What Is It That Makes Today's Homes So Different, So Appealing? (1956)

Marilyn 1967 Bleu - Andy Warhol

Le Réalisme

En peinture, le réalisme désigne un mouvement artistique du XIXe siècle apparu en France entre 1840 et 1860, qui ont été consacré à la vie et à la société. Son membre le plus célèbre est le peintre Gustave Courbet (1819-1877). Le contenu de ses œuvres a eu un impact durable sur le terme « réalisme »

Gustave Courbet, Un enterrement à Ornans

Le réalisme apparaît notamment en France et en Grande Bretagne dans la seconde moitié du XIXe siècle, avant de conquérir les Etats-Unis.

Il a pour objectifs de rejeter toutes les formes d'idéalisation de la réalité, démonter les mécanismes économiques et sociaux conduisant l'individu à la réussite ou à l'échec, peindre d'une manière objective tous les aspects de la société contemporaine.

Gustave Courbet, LE DÉSESPÉRÉ

Le romantisme

Le romantisme est un mouvement artistique apparu au cours du XVIIIe siècle en Grande-Bretagne et en Allemagne, puis au début du XIXe siècle en France, en Italie et en Espagne.

S'il ne peut être identifié à un style, une technique ou une attitude unique, le romantisme, notamment en peinture, affirme cependant son unicité à travers les thèmes dont il s'inspire : communion avec la nature dans ce qu'elle a de sauvage et de mystérieux, plongée dans l'inconscient, refus de toute visée moralisante, goût pour l'irrationnel, intérêt porté à l'époque médiévale. Alors que l'art classique ou néoclassique privilégie la clarté de l'expression et la retenue des émotions, l'art romantique cherche de façon caractéristique à exprimer par la suggestion, des sentiments intenses, mystiques ou fugitifs.

Visant à montrer les états d’âme de l’artiste. Le romantisme (apogée en 1824, fin vers 1850) se caractérise par la prédominance de la sensibilité et de l’imagination sur le raison. La passion et l’intuition guide la démarche artistique.

Le romantisme se caractérise par une volonté d’explorer toutes les possibilités de l’art afin d’exprimer les extases et les tourments du cœur et de l’âme.

Le Surréalisme

Le terme surréalisme à été crée en 1917 par le poète Guillaume Apollinaire. Le mot désigne un mouvement littéraire et artistique fondé en 1924 par André Breton.

Le surréalisme cherche de nouvelles formes d'expression de l'inconscient, de l'irréel et du fantastique.

Salvador Dalí, Persistance de la mémoire, 1931.

La toute puissance du rêve et le libre jeu de la pensée émancipant l'artiste des formes traditionnelles ; il recourt aux associations libres, à l'inconscient au fantastique.

Mark Ryden (Los Angeles).

Le symbolisme

Le symbolisme est un mouvement littéraire et artistique apparu en France et en Belgique vers 1895, en réaction au naturalisme et au mouvement parnassien. Ce mouvement provient de la Russie, en particulier grâce à Valéry Brioussov, poète et fondateur du symbolisme russe.

Le symbolisme se définit essentiellement par l'idéalisme d'artistes en réaction à un monde trop matérialiste, celui issu des mutations de la révolution industrielle, voué au progrès technique, à la recherche du profit, aux luttes sociales.

Les symbolistes utilisent généralement des images et des similitudes pour évoquer le monde, suggérer les états d’âme et les idées abstraites sans les expliciter alors que la pensée logique exploite les données du réel.